Comentaristas

Herlinda Sánchez Laurel Z. cuenta con apoyos críticos y presentaciones de catálogo entre otros de: Raquel Tibol, Teresa del Conde, Armando Torres Michúa, Carlos Blas Galindo, Santiago Espinoza de los Monteros, José de Santiago, Alberto Híjar, Luis Carlos Emerich, Beatriz Huibodro Hott, Perla Swarts, Graciela Kartofel, Sifra M. Goldman, Martha Tanguma, Leticia Ocharán, Mónica Mayer, Macario Matus, Blanca González Rosas, Avelina Lésper entre otros.

RAQUEL TIBOL:

* "Artista en plena floración", 1976,
* "Los paisajes mentales de Herlinda Sánchez Laurel" (Presentación de catálogo exposición individual, 1982)
* Diversos artículos en la revista PROCESO.

LUIS CARLOS EMERICH:

* "Nostalgia del vuelo"
(Presentación de catalogo exposición individual, 1974)

*"Yo no te pinto la luna", Periódico Novedades 1978)

*Cinco pintoras setenteras", Revista Vogue, 1993

ARMANDO TORRES MICHUA:

* "Obra reciente" (presentación catálogo exposición individual, l985)

* "Multicolor, espacio de seres figurados" (Catálogo exposición, 1995)

SANTIAGO ESPINOZA DE LOS MONTEROS:

° "Transición con lunas" (Presentación de cátalogo, l988)

° "Idem (Periódico La Jornada) 1988

TERESA DEL CONDE:

* Diversos artículos en periódicos y revistas.

LIC. CARLOS BLAS GALINDO:

* "Acto de amor y nostalgia" (Presentación de catálogo, l989)

BEATRIZ HUIBODRO HOTT:

* "Obra reciente de Herlinda Sánchez Laurel"
Revista de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM,

LETICIA OCHARAN:

( Presentación de catálogo, 1990.)

DIONISIO MORALES:

* Artículo revista Siempre,

* Presentación catálogo "L'Mexique a París", (10 paintres contemporains).

MONICA MAYER

*Artículos en Periódico Novedades, 1990 y 1991.

PERLA SWARTZ:

*Artículo periódico Novedades, 1995.

GRACIELA KARTOFEL:

* Diversos artículos

SIFRA M. GOLDMAN:

* "Woman in Méxican art" Presentación de catálogo, 1991.

MACARIO MATUS:

* "El árbol" (Juegos de luz y niebla)
Artículo periódico "La Jornada", 1995.

MARTHA TANGUMA:

*"Juegos de luz y niebla"
Periódico Excelsior, 1995

JOSE DE SANTIAGO SILVA:

*"Entre el desierto y el mar", presentación de catálogo, 1995,

* "La maestra Herlinda Sánchez Laurel y el Taller 129", (Presentación de catálogo, 1998)

MERRY MCMASTER:

"Homenaje a Herlinda Sánchez Laurel Z."

Periódico "La Jornada, 2001

RAQUEL TIBOL

"Los paisajes mentales de Herlinda Sánchez Laurel"
Presentación de catálogo, 1982

"Estas pinturas son el resultado de un gran esfuerzo anímico por vencer una confusión y establecer un orden ante el problema de la pintura bella como absurdo o como objeto de placer estético. Herlinda Sánchez Laurel no quiere borrar en sus cuadros las huellas de la realidad; pero su propósito primordial es la expresión de la forma, el equilibrio de la materia que en ella se conceptúa con lo placentero, aunque el proceso creador se vaya cumpliendo de manera dolorosa y contradictoria.

Partidaria de la finura, encontró en los recursos de color los elementos de tensión y de ritmo para forjar un lenguaje que le está permitiendo construir el espacio como resonancia psíquica. Sus composiciones de exasperada sensibilidad no son una fuga hacia el ensueño, sino mas bien actúan como una rebelión contra ciertos aspectos de la realidad social.

Afectada por las mutilaciones que humillan al hombre, ella encuentro con la forma para superar la pesadilla. Ahí está el origen de su sentido poético, de las tensiones líricas de sus pinturas. La elaboración detallada, la sólida construcción artesanal responden a una ansiedad ética: lograr una imagen que sea esencial y no obviamente afirmativa, rica en tensiones interiores.

El contenido existe como sugestión, como algo indeterminado. Se trata de lograr objetos que en su limitada particularidad no se agoten en una sola dirección cerradamente, sino que desplieguen múltiples posibilidades interpretativas. Objetos liberados de quien los ha producido gracias a que el mirador los reinventa. Los paisajes reales se metaforsean en paisajes mentales tanto al ser producidos como al ser percibidos.

Dentro del movimiento luminoso inventado por los impresionistas, Herlinda Sánchez Laurel desata sus inhibiciones y acepta lo onírico no como algo arbitrario sino como fuerza sustantiva de la sintaxis pictórica. Celosa de sus progresos técnicos, se empeña en romper el aislamiento y establecer una conexión con la alegría."

LUIS CARLOS EMERICH

"NOSTALGIA DEL VUELO"

Presentación de catálogo, 1974.

"De su gran habilidad técnica y el conocimiento de las posibilidades expresivas del color, Herlinda Sánchez Laurel ha logrado en sus obras perfectamente meditadas el desarrollo de una idea plástica que partiendo de lo puramente formal (balance compositivo entre color-color, forma y color, estructura lineal pura y espacio neutro) encuentra con gran fortuna la trabazón de sutiles gamas tonales, la coherencia poética de una atmósfera que hará posible la aparición de "imágenes".

Son éstas imágenes quizá la clave de sus descubrimientos. Sus atmósferas propician lazos, sugerentes contactos cromáticos y formales con lo que parece ser la raíz verdadera de su inspiración: la Naturaleza dentro de la cual el hombre o su figura es una forma que cambia sujeta al devenir natural lo mismo que un ave o un arbol. En la obra de Herlinda Sánchez Laurel parece plantearse la necesidad de una Voluntad Superior y su presencia metafórica está en las leyes cromáticas, en el cumplimiento de equilibrios que llevan hacia una lógica perfecta que hace sentir cada cuadro como un mandato cromático cumplido.

En su logro está implícito que la obra de arte debe de obedecerse a sí misma, a sus planteamientos formales y su solución, siempre difícil, llega a ser un rapto poético que parece sujetar toda suerta de símiles emotivos: la nostalgia del vuelo de un ave, el gesto de un rostro remoto o, en casos extremos, la imagen sobrepasa la fuerza del juego formal para presentarse como una vivencia dramática e ineludible.

En un caso como éste el mandato puramente plástico parece constituirse en una suerte de conjuro que al lograrse desaparece dejando su huella violenta: el sufrimiento o la injusticia, una visión de la muerte o una visión del mal. Pero es el conjuro cromático, la solución hábil y sensible el verdadero valor creativo de Herlinda Sánchez Laurel. Es posible que la continuidad del desarrollo de sus ideas plásticas básicas la hagan contactar diversos mundos "figurativos" que los misterios a los que lo puramente plástico la hacen incidir se resuelvan en enriquecimiento de la materia visual preciosa que realmente persigue"

ARMANDO TORRES MICHÚA.

Fragmento de Presentación de Catálogo, 1995

"Una interminable galería de figuras surgidas, literalmente, de formas coloridas, con algo de estricta geometría y mucho de libertad y fantasía, remeda más actitudes surrealistas que fantásticas. Esas juguetonas imágenes remiten al mundo de la infancia y de la fábula, lugar de ensoñación donde se conjuga un microcosmos marino, vegetal y aún zoológico que deja constancia del origen de la vida. Lunas en eclipse o en creciente, lugares mitad mar mitad arena, con el brillo del sol o reflejos nocturnales se convierten en el campo de acción de extraños y maravillosos anfibios voladores que semejan más que peces con alas, violaciones zoológicas a la evolución de las especies. Ruptura de la estricta división de los reinos de la naturaleza que solo puede explicar el pensamiento mágico o la fantasía mítica."...

CARLOS BLAS GALINDO

Fragmento de Presentación de catálogo, 1995.

"Herlinda Sánchez Laurel domina un número sumamente extenso de posibilidades técnicas. Lo intrincado de sus obras proviene directamente de la riqueza de su repertorio, el cual engloba el uso de trazos fluidos y firmes, de calidades obtenidas mediante sobreposiciones, de ritmos (elementos preponderantemente musicales) que derivan de la estructura y a la vez la refuerzan, de texturas visuales o apoyadas con materiales de carga, de cortas pinceladas yuxstapuestas trabajadas sobre zonas más amplias, de soluciones generales que gravitan sobre cuidadosos detalles, de sombreados y claroscuros convicentes, de manchas eficaces y de finos esgrafiados. A la complejidad que cada una de sus obras presenta y que está fundamentada sobre todo en la composición, ésta artista opone soluciones que solo en apariencia implican sencillez y que resultan atractivas pero nunca complacientes. En cuanto al uso del color, Herlinda gusta de la vibración cromática que genera la contigüidad entre tonalidades cálidas y frías, ya sea en formas de acentos o en amplias zonas. Sus estructuras, basadas en la combinación de curvas y rectas, son sumamente audaces y, al mismo tiempo, tienden a conseguir resultados armónicos (otro nexo musical)...."

DIONISIO MORALES

HERLINDA SÁNCHEZ LAUREL:
"COLOR, MAGIA, POESÍA."

La pintura rupestre es una manifestación realizada a pesar del tiempo, lugar y espacio, lograda por la fuerza en el impulso ancestral que alienta la expresión aún en los medios o desplazamientos más rudimentarios, para ilustrar las condiciones de vida, la manera como se desarrollan sus ritos y costumbres más tarde convertidos en tradiciones conocidas hoy como inestimable testimonio de una época. Sorprenden las técnicas utilizadas para conservar su permanencia. Nos asombra el colorido, la magia, la ingenuidad -conocimiento, sabiduría- los trazos magistrales y simples, visionarios, atributos todos ellos que reafirman y vinculan lo atávico con el arte de nuestros días, como en Baja California Norte.

Herlinda Sánchez Laurel, heredera de esta maravillosa tradición, retoma la concepción original de sus -nuestros- antepasados y despliega -hace alarde- regocijada y tumultuosamente el colorido lujurioso que asalta, posee, fija y desparrama su sabia en el lienzo vacío mientras la mano delinea, perfila y se somete a la invocación suprema convertida en ingobernable avidez para inventar, como en un acto de magia del tamaño de sus sueños, figuras, personajes, animales, naturaleza, elementos, cosas, que van saltando de un sombrero de copa y se quedan "aprisionados" cada uno en un sitio previamente destinado.

Su herencia ancestral revisitada por fantasmas mayores contemporáneos confieren a su pintura, después de una lucha encarnizada por abolir intromisiones milagrosas, la perspectiva necesaria para fundar, de acuerdo a sus deseos, su mundo personal cuya singularidad, composición, audacia y destreza nos hechiza y solaza al tiempo que excita la mirada. La ingenuidad y el humor campean en sus cuadros con un erotismo festivo, bullanguero, alado y musical, que no arremete conciencias sino que las seduce, o con elementos poéticos naturales, colocados aquí y allá en una atmósfera idealizada que nos franquea con ironía y donosura la puerta -el último cielo- que nos conduce al nuevo paraíso.

La paleta se ha echado a volar y en un regodeo ambiental de lunas silvestres, vacas aguamarinas amamantadoras de peces -transfigurados en falos furibundos-, figuras femeninas ingenuas pero satisfechas, animales mexicanísimos y hermosos sin falsos folclorismos; del parque delirante y airoso y festivo un día cualquiera, el pescador enamorado con su hombría derramada a diestra y siniestra, el sexo grandilocuente -vida- loado por la naturaleza, el malabarista que emerge de su universo oscuro y silenciosos a la luz, el flautista mágico alucinado convocando la vida, y el toro y el torero una tarde gloriosa de oro -no sabemos para quién-, va eligiendo al formar, suavizar, endurecer, diluir, escalonar, orquestar los colores que la mano crea por la enardecida contienda en la que resulta vencedor al vouyerista -nosotros- que goza y desentraña fascinado este mágico festín d vida del que emerge, sigilosamente, la poesía.

RAQUEL TIBOL

Herlinda Sánchez Laurel
"Artista en plena floración"

Nació en Ensenada, Baja California, y siguió sus estudios artísticos en la Escuela de Pintura de Educación Pública ("La Esmeralda"). Fue consejera técnica de la escuela y presidenta de la Sociedad de Alumnos de 1967 a 1969, año en el que obtiene su título d pintora. Aún no concluía su etapa formativa cuando, como declaración de arraigo, llevó una exposición a Ensenada. Con el título fresquesito regresó a Baja California para exponer en Tijuana y Mexicali. Se quedó con la idea de afincarse. La idea de retorno al terruño se hizo más intenso cuando los miembros del sindicato estatal de maestros la invitó a que pintara un mural. La tradición del realismo social mexicano había encontrado en Herlinda Sánchez Laurel una entusiasta continuadora. Con clara y juvenil conciencia histórica pintó en las paredes del sindicato una Alegoría a la lucha. Sí a las heroicas y largas luchas de los maestros sindicalizados por ejercer los derechos establecidos en la Constitución. Esto ocurría en 1970.

Al año siguiente, sintiendo que el medio provinciano no le ofrecía muchos incentivos para su desarrollo, regresó a la ciudad de México. Entonces comenzó una dura lucha por ganarse el sustento. Consiguió trabajo como diseñadora de carteles en la Dirección de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma, después impartió clases de pintura en la Casas de Lago, donde continúa. En 1972 entró al Departamento de Diseño e Ilustración de los libros de texto gratuitos. En Adolfo Falcón, director artístico de ese departamento , encontró a un maestro y un amigo. Por haberlos vivido, por estarlos viviendo, él entendía perfectamente los conflictos de un artista que despunta acosado por problemas económicos y angustias estéticas. En 1975 dejó el trabajo, me llamó y me dijo: "No sé lo que pueda ocurrir, pero ha llegado el momento en que no puedo hacer otra cosa que pintar".

Hacía tiempo que yo no veía su trabajo. En verdad la Herlinda que yo conocía era la estudiante insatisfecha de todo, con enorme vocación para hacer cosas por los demás y un instrumental artístico todavía escaso. La sorpresa que tuve al mirar los cuadros recientes fue muy grata. Había despuntado en ella la pintora profesional: sentido de la forma, del estilo, rigor y ganas de confrontarse. El material que tenía no alcanzaba para una presentación individual; pero sabiéndola voluntariosa le aconsejé que fuera a la Galería Pintura Joven. Su director, el ingeniero Francisco de Hoyos, supo reconocer en Herlinda un talento con grandes posibilidades. Acordaron que su presentación sería el 12 de marzo de 1976. Con muchas presiones de tipo emocional, con la salud deficiente, con el terror del debut en el exigente medio capitalino atravesado como nudo en la garganta, Herlinda Sánchez Laurel aceleró el ritmo de trabajo. Hubiera querido presentar más. Para el momento de preparación del catálogo y todos los trámites previos a la inauguración, tenía 18 pinturas en acrílico sobre madera.

Las familias de colores acumuladas en pequeños planitos triangulares es una de las aportaciones de Paul Klee al desarrollo de la forma pictórica. Basándose en la triangulación de Herlinda Sánchez Laurel ha encontrado su lenguaje. La sintaxis es bastante personal. Como el gran artista alemán, parte siempre de elementos vividos, asimilados visualmente, para adentrarse en las dimensiones espirituales de los seres y las cosas. En ella hay dos fuerzas que luchan para hacerse evidentes: la de su propia interioridad y la de sus reacciones frente al acontecer social y político. Herlinda cree que al expresarse a sí misma en la pintura queda en deuda... ¿Con quién? ¿Con el pueblo, con la sociedad, con algún grupo en lo particular? Es muy posible que la deuda sea consigo misma, con aquella muchacha que pintó en el sindicato de maestros aspirando a seguir la tradición establecida por Orozco, Rivera, Siqueiros. Le ha costado mucho asumir la exacta dimensión de sus emociones, de su capacidad creativa. Pero lo ha hecho con valentía y con sutileza. Instalada en el arte transitará muchos caminos.

ALBERTO HÍJAR SERRANO

"PINTURA COMO TAL"

Ver las pinturas de Herlinda Sánchez Laurel es un acto de reivindicación de la pintura como tal. Ocurre esto al sentir el alto impacto placentero de espacios donde la insinuación de una figura, el vuelo de peces, aves y cuadrúpedos fantásticos, se integra a un rico entramado de tonos, texturas y toques de color para componer universos irreductibles a cualquier otro recurso de representación.

Los títulos aluden a situaciones y hechos concretos y no caen en ningún caso en la ilustración. Por ejemplo, 19 de septiembre de 1985, sería un juego de diagonales cercano a las lanzas de Ucello, si no hubiera un trabajo minucioso de los tonos de la tierra arrasada para significar el terrible terremoto. Erupción 95 es otro caso concreto de tratamiento de una gran explosión natural con recursos precisamente pictóricos. Ninguna concesión sensiblera, sólo la pasión estrictamente artística.

Mi hermana Esperanza parte de un perfil insólitamente delineado inusual en la obra de Herlinda, para desparramar la imaginación en un tocado para dar lugar a dos centros de atención conductores del placer: la figuración del rostro y las sabrosas veladuras y yuxtaposiciones tonales. La dialéctica prueba así su dimensión emotiva a partir del juego entre lo abstracto y lo concreto.

La naturaleza es tratada en paisajes donde tierra, cielos, minerales, vegetación y animales si los hay, son un todo por la articulación de sutilezas pictóricas exigentes de la visión lenta y gozosa opuesta en todo a la urbanización del gusto. Los paisajes de Herlinda remiten así a un tiempo placentero correspondiente a espacios enriquecedores de la realidad.

Del amor para siempre y esas historias es todo un programa para el lirismo opuesto a la mercadotecnia y sus racionalismos. Es, al fin, como todo el trabajo de Herlinda, una convocatoria a humanizar la vida para los recursos artísticos excelentemente usados hasta acercarnos a la plenitud.

Tlalpan, junio de 2001

AVELINA LÉSPER

"La abstracción como estado intelectual"

El espíritu es una figura metafórica para designar diversos procesos intelectuales. La esencia de nuestro ser que está en la inteligencia, en nuestro cerebro la vivimos como espíritu cuando hacemos que la inteligencia y la razón tengan objetivos superiores, que enriquezcan nuestra existencia . Buscar la serenidad, buscar la belleza, es una búzqueda de esa materia intangible e incierta que llamamos espíritu y que somos nosotros mismos pensando, son funciones cerebrales que dan cabida a un estado de concentración y paz que nos permite proyectar, hacer y mantener una existencia luminosa, en el sentido de la luz de la inteligencia. Este estado de concentración que se retroalimenta asimismo es el de la creación artística. El dominio de nuestro ser no se alcanza por milagros, no es infuso, es trabajo, como lo es dominar las técnicas pictóricas. La educación y el trabajo nos forman, nos abren la puerta de la libertad, y nos dan la oportunidad de expandirnos, crecer y crear. Nada está dado, ni la obra ni el estatus de artista y mucho menos el estado de equilibrio intelectual. Para todo esto tenemos que recorrer un camino en el que la que las palabras clave son voluntad y disciplina.

El taller de la maestra Herlinda Sánchez Laurel va en el sentido contrario de la enseñanza y los objetivos del arte que impera actualmente. Hoy que vivimos ésta obsesión por no hacer la obra o hacerla con bajísimos estándares de calidad, que el desprecio por las técnicas están llevando a la nulificación de la enseñanza artística y que este nihilismo está promoviendo una mediocridad endémica en los artistas y en los estudiantes de arte, que exista un taller que relacione la concentración de la meditación, la serenidad de mirar al interior, con la creación del arte es una esperanza para el ámbito artístico.

En el taller de la maestra Herlinda la jornada de trabajo inicia con una sesión de meditación. Sus alumnas están centradas en la abstracción pictórica. Esto no es una coincidencia, es una consecuencia. Desde mi experiencia en el estudio y práctica del yoga, he aprendido que la meditación nos abstrae del mundo, del ruido que nuestro cerebro produce con las imágenes que se agolpan en la memoria y que alimenta su voracidad generando otras que entorpecen nuestra paz, que distraen de la creación. Somos máquinas de inventar ideas, en la mayoría de los casos destructivas y cuando dejamos que esas ideas nos dominen surgen las patologías psiquiátricas. La ira, la depresión, las manías, son producto de nuestro cerebro. Así como somos capaces de inventar tecnología o crear una obra de arte, somos capaces de encontrar enemigos invisibles, que, como el dramaturgo Strindberg lo lanzaron a un infierno que relató en su dramático diario. La abstracción en la pintura es una visión de amplificación de lo más esencial de la realidad. Convivimos con ´estas formas que no se apegan a algo en particular y que sin embargo son parte de éste macrocosmos. Para alcanzar el abstracto puro, para lograr la composición de formas sin referentes y colores es necesari una concentración especial, una que lleva a ver lo que no está en un primer plano, lo que no es evidente. Por éso la abstración está presente desde los muros de Pompeya, en los impresionistas, en los cielos de Turner, en los esgrafiados de los grabados en papel de William Kentrigde, en los follajes de Klimt, porque la creación llega a un punto de ensimismación que lo creado no es un modelo de la realidad, es una reproducción de la memoria y de la imaginación o es la amplificación de detalles imperceptibles que el arte saca a la luz, los señala para que podamos verlos. Podemos decir que la pintura abstracta proporciona una conexión entre el mundo real y la esencia de nuestro ser, esa que llamamos espíritu. el filósofo Patanjalí en sus yogas Sutras nos enseña a no dejarnos vivir por la realidad, es decir a ser utilizados por ella, ser libres es una condicion de nuestro ser y es una condición de la creación que la creación misma impula, inventa. El arte contemporáneo, que niega el pensamiento abstracto, esclavizado a la ey de la facilidad y el menor esfuerzo como régimen de creación, que destierra a la imaginacón adictos a la literidad de los objetos prefabricados. Las filias patológicas, las ocurrencias sin sentido y las obviedades se sobre valoran y se exponen en la sala del museo. Son obras que, no solo no demuestran inteligencia, atentan contra la evolución del conocimiento y están arrastrando a la inteligencia y a la sensibilidad humana a un callejón sin salida. Las destrezas que deberían ser llevadas al nivel del virtuosismo, imprecindible para crear con libertad, no se impulsa en las escuelas. Esto parecerá iocuo, pero lo que están provocando es un retroceso en la inteligencia humana, una involución en nuestro desarrollo, y creando generaciones de estudiantes que no tienen herramientas intelectuales para crear y darle un sentido a sus existencia a través de su obra. Está claro que los caprichos curatoriales bien vale destruir al arte mismo, pero esto está acabando con uno de los pilares de la civilización.

El taller de la maestra Herlinda con sus siete pintoras, está al margen del cerrado y excluyente mundo del anti arte, creo que es una marginación muy digna. La rebeldía está en los que crean su obra, en los que corren el riesgo de ir más allá de la inmediata gratificación de la imitación fácil, de la obra sin creación. Mientras unos tienen el espacio desvirtuado y muchas veces corrupto del museo, ellas tienen el espacio infinito de su obra, de su inteligencia creadora, esa que no cabe en una sala donde o aprecial al arte.

BLANCA GONZALEZ ROSAS

El taller alternativo de pintura de Herlinda Sánchez Laurel Búsqueda y concreción de una misión espiritual para el arte El taller: una misión artística y espiritual

Entre los diversos talleres que imparten clases en la ciudad de México, sobresale por su misión, rigor académico y caracter experimental, el Taller Alternativo de Pintura de la Maestra Herlinda Sánchez Laurel Zúñiga (TAP/HSLZ). Fundado en 1995 como un proyecto de investigación sobre la enseñanza de la creación en pintura, el Taller se ha convertido en un espacio de encuentro con el conocimiento, el acto creativo y la conciencia pictórica de cada participante.

Sustentado en una metodología didáctica de ivel universitario, el TAP/HSLZ se caracteriza por la fusión entre el saber teórico, el dominio técnico y la identificación de la creación artística como una misión de vida. Misión que, en el caso de Herlinda, integra sus pasiones y obsesiones: la belleza del color, el fortalecimiento de la conciencia y el desarrollo personal de las mujeres. Tres aspectos que en su Taller se sintetizan en el misterio del acto creativo. Un estado especial de la conciencia que exige la introspección para conocer y sentir la identidad del ser.

Experimental y atrevida en su interés de emparentar la enseñanza con una misión espiritual del arte, la artista ha construido una propuesta creativa y didáctica que, conceptualmente, remite a significados simbólicos de abstracciones modernas. (1). Concebida como un núcleo tripartita en el que la belleza, el color y el gesto -huella instantánea del inconciente- se configuran en una unidad, su poética, dirigida a materializar y evocar loo no visible, incide en el encuentro creativo de dos conciencias: la del pintor y la del espectador.

Generosa en la enseñanza y comprometida desde la pasada década de los años sesenta con causas destinadas a transformar la conciencia social o personal, (2) Herlinda a erigido un Taller Alternativo de Pintura diferente, único y original.

La pintora: creadora y maestra

Con una exitosa trayectoria artística que se expande en ámbitos institucionales, críticos y comerciales, la pintora destaca por la sutileza de sus atmósferas cromáticas. Creadora de vocabularios semiabstractos en los que elementos vegetales, animales y geométricos emergen, se imponen o se vinculan a través del protagonismo lumínico del color, la artista ha centrado su obra en un concepto de belleza que relaciona armonía, espacialidad e ilusión. Admiradora de la magia evocativa que puede tener la expresión pictórica, su poética trata de provocar artitudes contemplativas que extraigan a los espectadores de su realidad inmediata.

Académica de la Escuela Nacional de Artes Pásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (ENAP) desde 1985, Herlinda ha diversificado su trabajo entre la creación, la enseñanza y la investigación del acto creativo. Desde su pespectiva, el arte tiene la misión de "tocar la sensibilidad del ser interior" y, para lograrlo, es necesario que el artista sea capaz de expresar su ser. Exigencia compleja ya que está convencida que para el ser humano contemporáneo es más fácil pensar que sentir: mientras el pensamiento genera una aparente y acrítica seguridad, la sensibilidad se contrapone evidenciando una gran vulnevaridad.

El Taller Alternativo de Pintura fué fundado para explorar la relación entre el acto creativo y el autoconocimiento sensible. Es un espacio ajeno a los requisitos racionales y curriculares de los programas universitarios en el cual, el tiempo y los contenidos se adaptan a las necesidades e la investigación y de la creación.

Convencida de que para "tocar la sensibilidad" primero se debe proteger al ser interior, la pintora desarrolló un método de enseñanza que se basa en el fortalecimiento de la conciencia.

EL TAP/HSLZ

Constituido como una estrategia que permte el desarrollo sensible y racional de la acción pictórica, el Taller se estructura a partir de tres aspectos medulares: la práctica de la meditación, la existencia de un entorno de aceptación y el dominio de teorías y técnicas pictóricas basadas en el color. Si bien en Estados Unidos existen proyectos que incorporan las prácticas de la meditación como soporte para desarrollar la creatividad (3), la propuesta de Herlinda se distingue tanto por la especifidad del género artístico como por el rigor en el conocimiento y realización de la pintura.

Destinado a configurar una conciecia pictórica personal que integre la expresión del ser con una poética propia basada en la belleza, el color, la mancha, los matices y el gesto, el aprendizaje artístico se enriquece por la solidaridad con la condición femenina que existe en el Taller.

Dirigido principalmente a mujeres que o tienen el tiempo para cursar estudios curriculares, el TAP/HSLZ incide en la profesionalización de un tipo de práctica pictórica que, aún cuando se realiza al margen del sistema artístico institucional, también es parte y tiene un lugar en el escenario ceativo de México.

(1) Me refiero a los lenguajes de artistas relacionados con pensamientos teosofistas o místicos quienes, a principios del siglo XX, encontraron en los vocabularios abstractos un medio para evocar dimensiones no visibles a través de formas visibles. Entre ellos, Wassily Kandisky (1866-1944), Piet Mondrian (1872-1944), Kasimir Malevich (1878-1935) y Frantisek Kupka (18711-1957).

Para profundizar entre la relación entre la espiritualidad y el arte abstracto, puede consultarse el catálogo de la exposición The Spiritual in Art: Abstract Painting 1890-1985, editado por el Angeles County Museum of art en 1986. Una interpretación interesante que relaciona el tema con el desarrollo tecnológico, se encuentra en el libro de Juan Antonio Ramirez, El objeto y el aura (Des) orden visual del arte moderno, editado en Barcelona por Akal en 2009. En lo que respecta a escritos de artistas, un texto indispensable es De lo espiritual en el arte de Kandisky.

(2) Además de su solidaridad con actividades relacionadas con la dignificación de la condición femenina, durante el Movimiento Estudiantil de 1968, la pintora tuvo un activismo comprometido como jefa de la célula de estudiantes de La Juventud Comunista de México.

(3) Un libro que describe un sistema para relacionarse con la mente creativa a partir de prácticas de meditación, es el publicado en el 2002 por la escultora Nancy Azara bajo el título de Making a spiritual practice of making art.

 

HERLINDA SÁNCHEZ LAUREL ZÚÑIGA

Diseño: Herlinda Sánchez Laurel y Luis Arellano (c) México, 2018.